Ежегодно с 17 по 25 сентября Лондон становится центром мирового дизайна. Именно в эти дни здесь проходит London Design Festival (LDF). На 9 дней город превращается в нечто среднее между огромным музеем, мастерской и ярмаркой. И неслучайно, ведь в рамках фестиваля проводятся не только привычные для такого события выставки, но и многочисленные лекции, семинары, мастер-классы. В этом году их было запланировано около трехсот. Среди них и лекции об искусстве, как таковом, курирующиеся Музеем Виктории и Альберта, и мастер-классы от британских ремесленников, и даже серия лекций от Google «Design as Performance». Посетить практически каждое мероприятие мог любой желающий: вход на большинство из них свободный. Фестиваль призван популяризировать дизайн, наряду с целью показать новаторские идеи, он носит еще и коммерческий характер, поэтому интересен, как профессионалам, дизайнерам, архитекторам, художникам, так и простым обывателям. Для многочисленных выставок были выделены лучшие площадки города, главной из которых стал Музей Виктории и Альберта, который является партнером фестиваля вот уже 3 года. Не говоря о том, что на входе его венчала гигантская инсталляция «Timber Wave», внутри самого музея расположилось еще 12 не менее любопытных проектов. Кстати, инсталляция «Timber Wave» - это часть «Landmark Projects» (серия инсталляций в исполнении самых именитых дизайнеров и архитекторов, расположенных в самых посещаемых местах города), центрального и самого примечательного события фестиваля уже который год. В рамках LDF проходили и другие крупные мероприятия: непосредственно выставки дизайна - «100% Design», «Tent London», «Design Junction», выставки декораторов - «Decorex», «Focus», выставка хендмейда «Origin», ярмарка «London Design Fair».
20 проектов и мыслей дизайнеров, которых вы едва не пропустили на LDF
Walter Raes представил на фестивале свою инсталляцию «DUN ROAMIN». Это комната в винтажном стиле. Главной ее особенностью являются предметы интерьера, выполненные из некогда используемых вещей, которые найдутся в каждом доме, точнее из частей этих вещей, практически мусора. Дизайнер, вообще, приверженец «носибельного искусства». С не меньшим удовольствием он продвигает и идею трансформации отходов в арт-объекты.
С помощью совершенно обыденных предметов Walter Raes создает немного хулиганский образ этакого рядового домика из английского пригорода. Там и сковорода в виде часов, и чемоданы в виде комода, и даже старая видеокассета служит ножкой для столика. Все это вроде собрано стихийно и абсолютно небрежно, но в то же время чувствуется аккуратность и осторожность. В этом и кроется узнаваемый стиль дизайнера: провокация, но не совсем, вызов, но деликатной украдкой. «Если столько всего уже создано вокруг, почему бы не воспользоваться этим и не поиграть?», - говорит Raes.
«ENLIGHTENED WASTE» - выставка дизайнера Thierry Jeannot из Мехико и австрийской художницы Gisela Stiegler. Для изготовления своих работ они используют ненужный упаковочный материал: пластиковые бутылки и пенополистироловые пластины. Удивительно, но, глядя на творения дизайнеров, трудно догадаться или хотя бы предположить, из чего же они сделаны. Люстры похожи на хрустальные, а светильники, не потрогав, никогда не отличишь от алебастровых. Эта выставка еще раз подчеркивает, как разные люди смотрят на одни и те же вещи: там, где одни видят лишь мусор, другие замечают произведения искусства.
Массивные светильники в исполнении Gisela Stiegler, словно вырублены из глыбы льда. Они действительно производят огромное впечатление своим масштабом, но не меньше они удивляют и простотой идеи, ведь для их изготовления используется обычный пенополистирол. Люстры Thierry Jeannot так же, как работы Stiegler, поддерживают и продвигают идею вторичного использования материалов: они выполнены из пластиковых бутылок. Как гордо заявляет сам автор, некоторые его творения собраны из бутылок, производство которых давно приостановлено, то есть они имеют еще и коллекционною ценность в некоторой степени.
Дизайнеры в один голос утверждают: «Зачем придумывать что-то новое, когда можно использовать что-то старое и вдобавок принести пользу миру?»
Британский иллюстратор Ben Newman представил выставку «MASKS». Это серия графических работ, навеянных образами традиционных масок народов мира, но выполненных на плоскости. Цвет, колорит, стройность линий – основная черта творчества художника. «Masks» - это его первая за три последних года персональная выставка, включающая 11, так называемых, «масок». Все они выполнены исключительно вручную, без помощи компьютерных технологий, что присуще и предыдущим работам художника. Непривычно яркие, но в то же время подчиненные строгой геометрии, отстраненные, но в то же время осмысленные, они заметно выделяются среди работ иллюстраторов современности. «Я посчитал, что маски, которые всегда меня завораживали, станут отличным источником вдохновения, и не ошибся», - говорит Newman.
На выставке «WHITEOUT» представлены работы «The Cabinetmakers’ Autumn Exhibition»(датской ассоциации производителей и дизайнеров мебели), 38 стульев, выполненных в белом цвете. Это попытка сочетать нечто новое и экспериментальное с практичностью и настоящим произведением искусства. Сама ассоциация – своего рода инновационная лаборатория, где разрабатываются свежие подходы и концепции в вопросах дизайна мебели. «Слишком часто датскую мебель ассоциируют только с классикой, поэтому мы рады опровергнуть это заблуждение именно здесь, в Лондоне, где наши достижения не останутся незамеченными», - поделились своими целями организаторы из Дании. Название («Белая мгла») полностью отражает ощущения, которые вызывает экспозиция, и дело тут не только в цвете. Сияя белизной, эти стулья и кресла закружат вас в вихре и окутают туманом, стоит только присмотреться получше и почувствовать все то, что так стремились вложить в них авторы. Они угловаты и обтекаемы, иногда странные, а иногда просто невероятные, - удивительно, что все это можно сказать о таком банальном предмете, как стул.
«FIELD OF JEANS» - проект «Catalytic Clothing», направленный на привлечение внимания к проблеме экологии. Совместная разработка Университета Шеффилда и London College of Fashion с использованием нанотехнологий привела к тому, что обычные на вид джинсы могут бороться с загрязнением воздуха.
«Поле джинсов – это красивое проявление сложного технического процесса. Количество выпущенных джинсов во много раз превосходит количество людей, которые их носят. Мы же создаем нечто, что одновременно и полезно, и удобно», - объяснили дизайнеры из «Catalytic Clothing».
Вот так джинсы стоят на бамбуковых распорках и очищают воздух. Весьма актуально для крупных городов Возможно, через несколько лет каждый житель мегаполиса будет обязан носить такие и приносить пользу экологии и, в первую очередь, себе.
«INSIDE PLAYFUL MINDS» - проект, объединивший трех дизайнеров: Simon Bond, Chrysa Konstel, Tom Siddals. Это три интерактивные инсталляции: растения, которые шепчут в ответ на прикосновение, роботы, которые двигаются в ответ на музыку, и стены, которые изменяют форму. Предполагается, что эти разработки будут использоваться при лечении детей, страдающих аутизмом. Сами авторы считают, что это еще и первый шаг к созданию сенсорных экранов, посредством которых люди смогут получать тактильные ощущения, находясь далеко друг от друга. И, как справедливо заметил Саймон: «Я терпеть не могу, что в музеях нельзя прикасаться к экспонатам. Наша выставка совсем не такая, здесь прикасаться можно и нужно».
«SLINGSHOTS» - инсталляция в исполнении английского художника Christopher Jarratt. Она представляет собой 30 сделанных вручную рогаток и шарики для пейнтбола. Надев защитные очки, каждый мог попробовать свои силы на этом поприще. Это скорее для тех, кто устал от серьезного арта и захотел расслабиться и пострелять, наблюдая за художественными подтеками краски на стене. Очень милое хулиганское занятие в рамках фестиваля. Древесину для своих работ Christopher Jarratt взял в самом Epping Forest, который часто упоминается в романах и стихах, начиная еще с 17 века, поэтому у этих рогаток практически настоящая историческая ценность.
«На этот раз мне захотелось показать что-то очень простое и вызывающее приятные ассоциации, а откуда их черпать, если не из детства?», - пояснил художник.
«CUT IT OUT» - инсталляция графического дизайнера Noma Bar. Посетители могли прийти и поучаствовать в ней самостоятельно. Всего-то требовалось взять бумагу и покормить гигантскую собаку, установленную в центре, и готовая вырезка по эскизу художника оказывалась у вас в руках. Но на этом сюрпризы не заканчивались, главный из них прятался в самих вырезках. Тайна крылась в следующем: работы одинаково имеют смысл и в позитиве, и в негативе, то есть, попросту говоря, надо смотреть и на то, что вырезано, и на то, что осталось вокруг, поскольку это два разных силуэта и образа. Так, на одной из самых популярных вырезок при ближайшем рассмотрении можно было заметить не только собаку, но и кота, и даже мышь. Идея Noma Bar еще раз подтверждает, что не все так просто, как кажется на первый взгляд, а сам он говорит: «Я хотел удивить тем, чем удивить сложно».
Серию работ представила дизайнер Sarah Blood. Это скульптуры с неоновым освещением. Простые и лаконичные, они, между тем, невероятно притягивают внимание. Пристрастие автора к минимализму и геометрии угадывается легко. Ее абстрактные работы вряд ли нам что-то объяснят, но сочетание неона с такими странными для него материалами не может не завораживать. Безусловно, интересная экспозиция, безусловно, дизайнер производит впечатление. «Все, что я хочу выразить – это лишь неожиданная красота. Свет – это красиво», - говорит Sarah Blood.
Молодой британский дизайнер Timeo Sido представила коллекцию керамики «Tangled Web Collection». Внимание к деталям и «запутанный» узор – ее фирменный стиль. Как она сама говорит, вдохновило ее на это наблюдение за стройной гармонией паутины, которую так легко нарушить одним неосторожным движением.
Когда художницу попросили описать свой стиль в трех словах, она ответила: «Деталь. Запутанность. Белый». Глядя на ее работы, понимаешь, что Timeo Sido описала их абсолютно точно. Действительно, затейливые переплетения, выверенные линии, белоснежность создают ощущение какой-то строгой торжественности и предвкушения праздника, ощущения чистоты и ясности, несмотря на всю «запутанность». Еще одним немаловажным аспектом является и то, что все предметы не только радуют глаз, но и абсолютно функциональны.
«Я вижу в этом поэзию. Мне нравится, как из хаоса рождается новая жизнь», - поделилась дизайнер.
Дизайнер Ariane Prin показала на фестивале карандаши из своего проекта «FROM HERE FOR HERE». Для их изготовления используются опилки, но это совершенно не мешает их практическому использованию: ими можно писать. Как мы уже могли заметить, проблема сохранения окружающей среды довольно остро волнует участников фестиваля, что немаловажно. Ariane Prin активно выступает за сочетание в творчестве и искусства, и экологической безопасности. «Искусство – это создание чего-то нового, но, создавая его, мы не должны бездумно разрушать все то, что нас окружает. Мы должны помнить, что только человек может позаботиться о мире и о своем существовании в этом мире», - подчеркнула Ariane Prin.
Испанский фарфоровый бренд «Lladro» показал свою коллекцию «METROPOLIS». Это серия настоящих, функциональных предметов, ваз, ламп, шкатулок, но выполненных в виде небоскребов. Составленные вместе, они образуют настоящий город. Несмотря на то, что самому бренду уже более пятидесяти лет, они не останавливаются на проверенной классике, а продолжают искать новые формы и проявления. Действительно, тривиальной эту коллекцию назвать трудно. Кроме того, заманчиво иметь на каминной полке пару знаменитых зданий.
«Мы не боимся экспериментировать и доверять новым, даже сумасбродным, идеям. Хотя бы один предмет из нашей коллекции должен быть у каждого, кто считает себя жителем большого города» - сказали представители «Lladro».
«SCAFFOLDING BRUT» - инсталляция Beta Tank. Так видятся дизайнеру Eyal Burstein строительные леса. Он считает, что таким образом можно украсить и усовершенствовать урбанистический пейзаж, ведь в крупных городах зачастую что-то строится и портит тем самым внешний облик улиц. Пока выпущены небольшие детали из фарфора, с болтами и гайками из платины и золота. В дальнейшем планируется сделать серию более практичных предметов, которые действительно украсят дома, пока они ремонтируются.
«Если строительные леса так впечатляют без всяких дизайнерских дополнений, задумайтесь, насколько изумительными они могут стать, если при их изготовлении учитывать и красоту?», - поделился своими мыслями Eyal Burstein.
Галерист из Нью-Йорка Murray Moss в сотрудничестве с бельгийским «Materialise» презентовали выставку «INDUSTRIAL REVOLUTION 2.0». Все представленные экспонаты выполнены с помощью 3D-технологий, в той или иной степени. В проекте участвовало 8 дизайнеров, занимающихся модной индустрией и изготовлением мебели.
«Это не футуристические объекты, они совершенно обыденны. Это лампы, столы, стулья, произведенные сегодня, но говорящие нам о процессах завтрашнего дня», - заявил Murray Moss.
«BEYOND THE VALLEY» - интерактивная инсталляция одноименного магазина дизайнерской одежды. Все, что требуется сделать, - это присесть и расслабиться. Используя специальное приложение в iPad, посетители могут изменять орнаменты (авторы – дизайнеры Kristjana S Williams и Kate Bonhote) вокруг и тут же транслировать свои творения в социальные сети. Авторы учли все слабости человека: полюбопытствовать, отдохнуть и поделиться увиденным с другими. Это еще одно практически сказочное впечатление на фестивале: реальность меняется прямо на глазах посетителей, и делает она это непосредственно под их руководством.
«Нам хотелось сделать что-то непринужденное, но очень впечатляющее, поэтому мы остановились на таких вот «чудесах», ведь, даже взрослея, мы не перестаем в них верить», - пояснили свою идею дизайнеры.
Maximo Riera, испанский дизайнер, представил свое новое творение – кресло-носорог. Оно пополнило его коллекцию «THE ANIMAL CHAIR COLLECTION», состоящую из предметов мебели в образе животных, осьминога и моржа. Все экспонаты довольно массивные. Впрочем, они соответствуют своим прототипам. В будущем дизайнер собирается пополнять коллекцию образами других представителей животного мира.
«Задача дизайнера не придумать новое, а искусно воспользоваться тем, что нам дала сама природа, большего вдохновения вы не найдете ни в чем», - утверждает Maximo Riera.
Выставка «OBJECT ABUSE» объединила группу художников и дизайнеров, которые стремились трансформировать обычные, окружающие нас предметы во что-то абсолютно новое, используя при этом, как можно меньше, дополнительных материалов. Так, из кисточек получились крючки, а из табличек «for sale» - настоящие скворечники. Кстати, идея с кисточками была навеяна совершенно рядовой ситуацией в случае ремонта. Их просто забыли помыть, а, высохнув, они приняли жесткую форму, которая и послужила вдохновением автору.
Надо отметить, что основная идея выставки – это вовсе не еще один способ переработки отходов во что-то нужное, это трансформация одного нужного в совершенно иное, но тоже нужное.
«Надо мыслить шире. Когда-нибудь мир станет абсолютно универсальным», - уверены организаторы.
«DELICATE INTERFERENCE: ASSEMBLAGE 3» - это уже третья по счету коллекция мебели британского дизайнера Faye Toogood. Предметы выполнены из стекла, алюминия, бронзы и стали, материалов, позволяющих поиграть со светом, использовать законы оптики и посмотреть на создавшуюся иллюзию. Ее работы всегда на грани эксперимента и искусства, иногда вызывают недоумение и непонимание, но безразличие – никогда. Складывается такое впечатление, что для Faye Toogood это и не мебель вовсе, скорее просто поиск новых форм и возможностей, попытка нащупать свежую грань в привычных предметах. Она, на самом деле, не создает нечто, а играет, и из этой игры рождается арт-объект.
«Мне интересно использовать возможности окружающего мира в разных аспектах. Я хочу, чтобы простое стало сложным под минимальным воздействием извне», - говорит Faye Toogood.
«WONKY POTS» - проект дизайнера Vanja Bazdulj. Эти работы из шерсти призваны показать красоту в несовершенстве и полной асимметрии. В их украшении объединены абсолютно разные материалы и техники. Автор считает, что любой форме можно придать нужное содержание с помощью нехитрых приемов. Они намеренно неуклюжие и, казалось бы, нефункциональные, но все это только иллюзия, созданная талантливыми руками дизайнера.
«Отнюдь не обязательно приписывать всему какое-то значение и определять функции. Любой, даже самой маленькой вещице, можно помочь украшением, а со своим дальнейшим назначением она может определиться и сама», - считает Vanja Bazdulj.
Художница Abigail Brown представила коллекцию птиц, сшитых исключительно вручную. Каждая деталь неповторима и уникальна, второй такой просто не существует. По признанию автора, при создании фигур в ход идет практически все, что есть под рукой. Возможно, именно это придает им такую самобытность.
Действительно, ее птички настолько необыкновенны, настолько в них чувствуется настоящая любовь художницы, что это не может не производить впечатления и оставлять равнодушным. С ними так и хочется поиграть или хотя бы подержать в руках. Собранные из мельчайших деталей, они удивительно похожи на своих живых прототипов.
«Я просто делаю то, что люблю с детства. Мои птицы – это мое воплощение любви», - призналась Abigail Brown.
5 самых обсуждаемых и масштабных проектов LDF
«LEGO GREENHOUSE» - проект британского дизайнера Sebastian Bergne.. Настоящий парник сооружен из Lego в Ковент-Гардене. Все его детали из кирпичиков детского конструктора. Однако днем необычность конструкции мало что выдает, он довольно похож на обычный парник, какой вы увидите в пригороде. Но ночью, благодаря специальной подсветке, он выглядит действительно волшебно. Кстати, растения внутри него – живые. Эта инсталляция еще раз подчеркивает, какая тонкая грань разделяет мир фантазий и игрушек и реальность.
«Я был счастлив заняться этой работой. Что меня действительно подтолкнуло, так это шанс осуществить детскую мечту и построить что-то действительно огромное и, пригодное для жизни, с помощью Lego. В творчестве я люблю создавать что-то особенное из вполне ординарных вещей, я надеюсь, что это как раз тот случай», - говорит дизайнер.
Инсталляция «TEXTILE FIELD» в музее Виктории и Альберта. Ее создали французские дизайнеры Ronan и Erwan Bouroullec в сотрудничестве с текстильной компанией «Kvadrat». Площадь самого поля – 240 квадратных метров. Основная задумка инсталляции – это взглянуть на искусство с непривычного ракурса в буквальном смысле: прилечь на полотно и полюбоваться работами великих мастеров Ренессанса. Дизайнеры создали нечто, что значительно сокращает дистанцию формальности между произведением искусства и зрителем.
«Мы решили сделать что-то вроде мебели, которая бы помогла людям расслабить и тело, и разум. И, возможно, это поможет лучше понять искусство, приблизиться к нему и в прямом, и переносном смысле», - говорят дизайнеры.
«PERSPECTIVES» - грандиозная инсталляция архитектора John Pawson. Она располагается в одной из башен Собора Святого Павла, под куполом которой подвешено сферическое зеркало. У основания спиральной лестницы установлена полусферическая линза «Swarovski». Благодаря специально созданному оптическому эффекту, зрители, находящиеся внизу, могут легко обозревать всю башню, которая обычно остается недоступной для большинства. Такая инсталляция полностью отражает минималистические взгляды автора на искусство и архитектуру.
«Не так важно то, что мы создаем, как важно то, что мы даем возможность увидеть то, что уже есть», - пояснил свою идею John Pawson
Интерактивная инсталляция «REDRESS» создана финским дизайнером Aamu Song. Она представлена в Йорк-Холле. Это и платье, и зрительный зал одновременно. Оно действительно огромно, 20 метров в диаметре. На его пошив потребовалось 550 метров ткани. В складках платья находится 238 гигантских карманов – это места для зрителей, в центре становится артист, и начинается представление. Все это, несомненно, способствует налаживанию особой атмосферы в зале. На протяжении фестиваля финские артисты устраивали в Йорк-Холле ежедневные перформансы.
«Иногда восприятие зависит только от того, что окружает человека. Мы попытались сделать нечто радикально новое с этой целью. Ощущения в такой ситуации должны стать глубже, а доверие к миру вокруг усилится», - предположила Aamu Song.
Инсталляцию «TIMBER WAVE» - совместная работа архитекторов «Amanda Levete Architects» и инженеров «Arup». Она украсила вход в музей Виктории и Альберта. Это гигантская волна из пластин, выполненных из американского красного дуба, спускающаяся вниз по ступенькам, высотой в трехэтажное здание. Инсталляция призвана подчеркнуть, что искусство не только за стенами музея, оно и снаружи.
«Дизайн – это взаимодействие художественной фантазии и технических знаний. Эта инсталляция выражает данную мысль в полной мере», - уверяет команда «Amanda Levete Architects».
сайт «Amanda Levete Architects»
5 мыслей о дизайне от лидеров LDF
«Дизайн – это буквально любой предмет вокруг нас. К счастью, тенденция к тому, что вещи должны быть не только функциональны, но и красивы, уже не вызывает сомнений. Я бы добавил, что они должны быть еще и удобны именно для вас, своего рода уникальны. Думаю, в дальнейшем дизайн будет становиться все менее унифицированным».
Sebastian Bergne
«Не надо усложнять. Все очевидно. Надо просто обойти с другой стороны и посмотреть. Нагромождение ненужных деталей портит и внешний вид, и функциональность. Чем проще, тем лучше. Нас должна удивлять очевидность».
Ronan Bouroullec
«Я люблю свет и пространство, чистые ясные линии и минимум отвлекающих деталей. Найдется не так много любителей подобной эстетики, но думаю, за ней будущее».
John Pawson
«Дизайн должен быть приближен к людям. Хорошо, когда его функция – дополнение. Нет смысла делать что-то просто красивым, оно должно быть пригодным и для жизни».
Aamu Song
«Хорошо, когда дизайн вызывает реакцию, так и должно быть, но даже самый провокационный, он должен гармонировать с окружающим пространством. Предмет не может жить сам по себе, он должен слиться с предметам вокруг».
Amanda Levete
10 фактов глазами очевидца
Мария Савостьянова, историк искусства, дизайн-критик, зам. главного редактора журнала «ИНТЕРЬЕР+ДИЗАЙН» рассказала, как это было.
1. У ярмарок европейских недель дизайна, включая LDF, наметилась тенденция: они медленно, но верно сокращают свои объемы и, возможно, в будущем и вовсе прекратят существование. Причиной тому: развитие Интернета и рецессия.
Изначально, LDF формировался вокруг выставки «100% Design», которая проходит с середины 90-х гг. Если раньше выставка занимала 2 больших павильона, то сегодня и «100% Design», и входящие в него «100% Futures», «100% Detail», «100% Materials» занимают всего один павильон.
2. Чем слабее коммерческие площадки, тем сильнее реагирует город. Например, инсталляции, созданные величайшими архитекторами – прямое тому доказательство.
Однако инсталляции LDF отличаются тем, что они должны быть привлекательны, притягательны и хотя бы чуть-чуть экстремальны, чтобы чувствовался свежий подход и пульс индустрии, но во все это не должно быть огромных капиталовложений.
3. Никогда, ни при каких условиях, будучи на фестивале, не забудьте посетить Serpentine Gallery, что в Гайд-парке. Ежегодно туда приглашают «звездного» архитектора, чтобы тот выстроил там временный павильон на 3 месяца. В нем ничего не выставляется, он и является предметом архитектурного искусства.
В этом году пригласили одного из лучших архитекторов в мире, Peter Zumthor. Сады перед павильоном разбил не менее известный Piet Oudolf.
4. Музей дизайна уже 4-й год подряд проводит выставку «Designers in Residence», представляющую работы дизайнеров различных диаспор Лондона. Отличительная особенность выставки – это обратная сторона стендов, где подробно показано, как выполнялся тот или иной проект со стадии эскиза до конечного результата. Такая тенденция все больше набирает обороты и, очевидно, станет популярной.
5. LDF маркирует главную тенденцию, которую сейчас показывают все трендообразующие мероприятия: ручной труд в современных технологиях. Выставка «Power of Making» в Музее Виктории и Альберта ее продемонстрировала.
6. Еще один тренд: искусственные конечности, протезы, имплантаты из исключительно медицинской области выходят и в область fashion, и в скором времени будут представлены целыми fashion-коллекциями.
7. Предполагается, что очень скоро весь мир станет тяготеть к новому урбанизму (жизнь в городе, практически как в деревне) в связи с кризисом. Любая трата энергии сверх нормы будет считаться дурным тоном, а ручной труд, рукоделие и ремесленничество станут новой роскошью. Поддержкой этому явлению выступила вышеупомянутая «Power of Making», площадка ремесленников «Origin» и даже лодка, выполненная из единого листа пластика, в доках Портобелло.
8. Инсталляция братьев Bouroullec, «Teхtile Field», в Музее Виктории и Альберта обозначила еще один тренд: смотреть на искусство, полулежа, чтобы расслабиться, внимательно изучить и в полной мере насладиться увиденным. Эту же идею поддержала еще одна инсталляция «Redress».
9. Не менее заметной тенденцией фестиваля стала приверженность авторов к сочетанию 3D и оптических эффектов.
10. Sir Terence Conran, человек, отвечающий за пропаганду свежих дизайнерских идей в Великобритании вот уже последние 50 лет, один из основателей Музея дизайна считает, что всегда можно сэкономиь на декоре, но экономить на качестве нельзя.
Комментарии
Подписаться