Синергия музыки и живописи. Рецензия на лекцию Brian Eno

Вопреки расхожему мнению о том, что заявленная тема "Что такое культура и зачем она нам?" так и не была раскрыта, скажу, что Брайн Ино все же изрек основную свою мысль относительно роли культуры в общемировом сознании. Конечно, прозвучало это в контексте некоего полемического запала, видимо, поэтому мало кто смог уловить ключевую мысль.

А идея-то была в том, что если ранее все виды искусства, как отдельные монументы, были воплощением философской мысли, то сейчас, скажем, музыка и живопись, стремящиеся друг к другу как ветви гиперболы, в тандеме создают некую атмосферу, состояние, в которое готов погрузиться слушающий и смотрящий.

Очевидно, что обозначенная в повестке лекции тема искусственно адаптирована под нашу неискушенную аудиторию (видимо по-этому почти все мои товарищи-музыканты, не смотря на гул восхищения, сотрясающий умы петербуржцев до сих пор, ушли, мягко говоря, неудовлетворенными :) ).

Ино же со свойственной ему кропотливостью, пустился разжевывать основные вехи современного искусства и бережно вкладывать в уши традиционно напряженным, но готовым к ликбезу слушателям.


Музыка "тогда" и музыка "сейчас" - две разные музыки


Удивительно, что на рубеже 19-20 веков музыка не породила никаких других видов искусства, как, например, театр, который стал прародителем телепьес, а затем кино.

Однако с появлением звукозаписи, музыка, оставаясь в привычной ей словоформе, начала эволюционировать в совершенно иное качество. Она и по сей день продолжает занимать самый высокий уровень абстракции в иерархии искусства, но при этом представляет собой уже не эфемерную субстанцию, которая могла существовать только в определенном месте и моменте времени, музыка приобрела вполне пластичную форму - ее теперь можно обрезать, сжимать и растягивать, как пластилин.

Одним из пионеров в области музыкального оригами стал Пол Лэс (Paul Les), который экспериментировал с записью игры на гитаре. Он понял, что для создания многомерного звучания не обязательно наличие нескольких музыкантов в одном месте - достаточно просто многократно наложить "гитару" на "гитару". После экспериментов с магнитной лентой музыкант пустился в сольную карьеру, в ходе которой выпустил пластинки "Lover" и "Brazil" (1948 год), где как раз применял новый синтез звучания.

Известный музыкальный продюсер Джордж Мартин (George Martin), который известен как "пятый из  Beatles", делая, своего рода, музыкальные коллажи, создавал новые формы звука. Вспомнить даже его аранжировки песен "In My Life", где Мартин применил ускоренную запись соло на фортепиано.

А началось все с того, что вопреки нежеланию Пола Маккартни, Мартин предложил использовать виолончель и альт в песне "Yesterday". И получился хит.

Таким образом, музыка начала рождаться не только на подмостках концертных площадок, но и в звукозаписывающих студиях. А позже практически полностью туда мигрировала.

Но не смотря на явно вырисовывающуюся тенденцию, на протяжении всего 20го века представители классической музыки упрямо держались за истоки и не воспринимали звукозапись как таковую, логично переходя в аутсайдеры к 21 столетию.

Пожалуй единственным классическим музыкантом, который понял, что записывать пластинку не тоже самое, что давать концерт, был Глен Гулд, который на фоне достаточно пресных описаний процесса воспроизведения музыки коллегами по сцене, мог в своих аннотациях очень ярко и живо передать идею музыкального произведения и сложности его исполнения, пытаясь донести это даже до людей, не владеющих музыковедческим анализом.

А пока приверженцы классики были преданы традициям, в звукозаписывающих студиях происходила эволюция звука.

Живопись стремилась стать музыкой

В конце 19-начале 20 веков начал зарождаться модернизм, из которого вышли такие течения, как футуризм, сюрреализм, кубизм и абстрактное искусство. Традиционные каноны о том, что живопись должна отражать реальные предметы и события, были окончательно нарушены такими художниками как Мунк, Гоген, Пабло Пикассо, которые начали работать в стилях фовизма и кубизма. Последний причем стал прародителем абстракционизма.

А во время 1-й мировой войны возник стиль так называемой "деревянной лошадки", дадаизм (от франц. dada), который был создан в оппозицию традиционной живописи, ставя под сомнение смысловую нагрузку каких бы то ни было произведений искусства. Тем не менее, не смотря на большую популярность , благодаря периодической тяги социума к эпатажным течениям (в Нью-Йорке предводителем можно считать Марселя Дюшана), стиль дадаизма скоропостижно скончался, оказав посмертное влияние на сюрреализм.

Живопись больше не стремилась изображать конкретные предметы и жизненные события, изобразительное искусство, приобретая абстрактные формы, приближалось к музыке. Эту тенденцию можно наблюдать даже по названиям некоторых картин того времени.

После 2-й мировой войны искусство было достаточно скупым, сухим, однако с течением времени в живописи стали наблюдаться просветы, которые ассоциировались с надеждой на светлое будущее. Интересы политических деятелей послужили драйвером обратного "внедрения" мысли в изобразительное искусство - вопреки той тенденции, что наблюдалась ранее.

Искусство было провозглашено идейным транспортом, это хоть и спасло его от non-sence-развития, но зато облачило произведения искусства в политические месседжи. Благо, позже тенденция политической евангелизации приобрела более гибкие формы и теперь посредством живописи стали передаваться не только огосудартвленные посылы, но и философские мысли.

В то время известный музыкант, художник и философ Джон Милтон Кейдж (John Milton Cage) изрек мысль о том, что искусство должно быть воплощением философии. Его композиция 4′33″, в которой не издается ни одного звука.

Содержание этого произведения позволяет слушателям обратить внимание на окружающие их звуки, которые всегда повисают в воздухе, пока проигрывается трек. Это, совершенно новое слово в искусстве, несомненно, произвело фурор как на музыкальной сцене, так и в области живописи - когда художник транслирует мысль, идею, не произнося ни звука.

Это событие укрепило восприятие искусства во всех своих ипостасиях, как проводника философской мысли.

Коллективный гений

Музыка 20 века начинает обрастать все бОльшими направлениями, генерировать все больше профессий и идейных команд, которые соединяют изображение со звуком. И тут, во второй половине столетия, на сцену выходит Брайан Ино со своей концепцией scenius (производное от scene (сцена) и genius (гений)) или коллективный гений, которая как раз отражает главный, по его мнению, тренд музыкальной эпохи - синергию. Теперь свидетелями кульминации интеллекта и интуиции становится не один человек, а несколько, объединяя свои таланты в коллективный гений. Индивидуумы, погруженные в атмостферу scenius, начинают продуцировать совершенно уникальные идеи, при этом не выходя за рамки, так называемого, коллективного разума.

Нельзя сказать, что эта идея уникальна, эффективность объединения мыслящих в одном направлении талантливых людей уже была доказана, хотя бы на примере Кремниевой Долины в Калифорнии, сейчас эту концепцию, наконец, подхватила и Россия, создав первый внятный инкубационный проект - "Сколково".

Рождение эмбиент

Основной характерной чертой выпускаемых пластинок - сборников песен - в 70-е годы была постоянная смена настроений и переживаний от песни к песни: после быстрой композиции всегда следовала баллада, затем танцевальная, потом сентиментальная мелодия и т.д. Брайан Ино тяготел к постоянству создаваемой атмосферы, стремился к тому, чтобы музыкальные компиляции представляли собой картину, среду, в которую погружается слушающий, переживая одно и то же состояние. Такая мысль витала в воздухе не только у Ино, но и других музыкантов. Кстати, это тоже можно назвать коллективным гением, только атмосфера scenius сформировалась в данном случае сама собой. Так родился стиль эмбиент.

Запуская колесо, композитор не знает, что с ним будет дальше..

На этом этапе роль художника-композитора также изменилась кардинальным образом. Если раньше он вынашивал идею и просто перекладывал ее на партитуру, либо играл со сцены, то сейчас музыкант даже не подозревает, как изменится его произведение, увидев свет. Одним из наиболее ярких примеров этого концепта можно считать пионера минимализма Терри Райли (Terry Riley), который создал композицию "In C" ("В До"), где каждый такт написан в ключе "До", и любой музыкант при исполнении этого произведения сам решает, в какой момент перейти к следующему такту, таким образом, по ходу действия все больше и больше тактов играется одновременно, но при этом композиция при любом исполнении не звучит одинаково.

Так, Терри Райли запустил новую музыкальную форму, основным принципом которой являются повторяющиеся музыкальные фрагменты. Теперь композитор играет роль запускающего колесо, а что произойдет с музыкальным произведением дальше - для него самого будет открытием.

Эпилог :)

Вспомнив тот факт, что практически все упомянутые инноваторы в искусстве увлекались поисками истины (Индуизм, Зен Буддизм и проч. течения), в том числе, с использованием различных стимуляторов (Милтон Кейдж, например, был коллекционером грибов:)), то становится вполне логичным рождение соответствующей этим конфессиям философии творчества и жизни, когда определяющую роль во всем играет "отдача себя" или позиция passive ("пассивный", или passive voice "страдательный залог") или passion ("страсть"). В разрезе современного развития социума подобные течения всегда будут иметь отклик, во всяком случае, у молодой части населения.




Вспомогательные материалы взяты из источников:

http://www.arthistory.ru
http://www.staratel.com
http://en.wikipedia.org
http://www.maykapar.ru
http://www.kk.org
http://www.longarms.ru